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Histoire de l'art 101: une promenade rapide à travers les ères de l'art

Histoire de l'art 101: une promenade rapide à travers les ères de l'art

Mettez vos chaussures sensibles alors que nous embarquons dans une extrêmement visite abrégée de l'art à travers les âges. Le but de cette pièce est de mettre en lumière les points forts et de vous fournir les bases les plus simples sur les différentes époques de l’histoire de l’art.

Ères préhistoriques

30 000-10 000 AEC: Période Paléolithique

Les peuples paléolithiques étaient strictement des chasseurs-cueilleurs et la vie était dure. Les humains ont fait un saut gigantesque dans la pensée abstraite et ont commencé à créer de l'art pendant cette période. La matière s'est concentrée sur deux choses: la nourriture et la nécessité de créer plus d'humains.

10 000 à 8 000 avant notre ère: période mésolithique

La glace a commencé à se retirer et la vie est devenue un peu plus facile. Le mésolithique (qui a duré plus longtemps dans le nord de l'Europe que dans le Moyen-Orient) a vu la peinture quitter les grottes pour se jeter sur les rochers. La peinture est également devenue plus symbolique et abstraite.

8000-3000 avant notre ère: période néolithique

Avance rapide jusqu'au néolithique, avec agriculture et animaux domestiques. Maintenant que la nourriture était plus abondante, les gens avaient le temps d'inventer des outils utiles comme écrire et mesurer. La partie de mesure doit avoir été utile pour les constructeurs de mégalithes.

Art ethnographique

Il convient de noter que l’art du «siècle de la pierre» a continué de s’épanouir dans le monde entier pour un certain nombre de cultures jusqu’à nos jours. "Ethnographique" est un terme pratique qui signifie ici: "Ne pas suivre la voie de l'art occidental".

Civilisations anciennes

3500-331 avant notre ère: Mésopotamie

La "terre entre les rivières" a vu un nombre incroyable de cultures monter et descendre du pouvoir. le Sumériens nous a donné des ziggourats, des temples et de nombreuses sculptures de dieux. Plus important encore, ils ont unifié les éléments naturels et formels de l’art. le Les Akkadiens introduit la stèle de la victoire, dont les sculptures nous rappellent à jamais leurs prouesses au combat. le Babyloniens amélioré sur la stèle, en l’utilisant pour enregistrer le premier code de droit uniforme. le Assyriens couru sauvage avec l'architecture et la sculpture, à la fois en relief et en rond. Finalement, c’est le Persans qui a mis toute la région et son art sur la carte, lorsqu’ils ont conquis les terres adjacentes.

3200-1340 avant notre ère: Egypte

L'art dans l'Egypte ancienne était un art pour les morts. Les Égyptiens construisirent des tombeaux, des pyramides (tombeaux élaborés) et le Sphinx (également un tombeau) et les décorèrent d'images colorées des dieux qu'ils croyaient avoir régné dans l'au-delà.

3000-1100 AEC: art égéen

le Minoenne la culture, sur la Crète, et la Mycéniens en Grèce nous a apporté des fresques, une architecture ouverte et aérée, et des idoles en marbre.

Civilisations Classiques

800-323 AEC: Grèce

Les Grecs ont introduit l'éducation humaniste, qui se reflète dans leur art. La céramique, la peinture, l'architecture et la sculpture ont évolué pour devenir des objets élaborés, hautement travaillés et décorés, qui glorifiaient la plus grande création de tous: l'homme.

Ve-Ve siècles avant notre ère: la civilisation étrusque

Sur la péninsule italienne, les Étrusques ont embrassé l'âge du bronze de manière très large, produisant des sculptures remarquables pour être stylisées, ornementales et pleines de mouvements implicites. Ils étaient également des producteurs enthousiastes de tombeaux et de sarcophages, un peu comme les Égyptiens.

509 avant JC-337 de notre ère: Rome

Alors qu'ils se faisaient connaître, les Romains ont d'abord tenté d'anéantir l'art étrusque, suivi de nombreuses attaques contre l'art grec. Empruntant librement à ces deux cultures conquises, les Romains ont créé leur propre style, qui correspondait de plus en plus à Puissance. L'architecture est devenue monumentale, des sculptures représentant des dieux, des déesses et des citoyens renommés ont été renommés. En peinture, le paysage a été introduit et les fresques sont devenues énormes.

Premier siècle-c. 526: Art des premiers chrétiens

L'art paléochrétien se divise en deux catégories: celui de la période de persécution (jusqu'à l'année 323) et celui qui suivit Constantin le Grand, le christianisme reconnu: la période de reconnaissance. Le premier est connu principalement pour la construction de catacombes et d'art portable pouvant être caché. La deuxième période est marquée par la construction active d’églises, de mosaïques et l’essor de la fabrication de livres. La sculpture a été rétrogradée pour devenir une œuvre en relief uniquement. Toute autre chose aurait été considérée comme une "image taillée".

C. 526-1390: Art byzantin

Ce n’est pas une transition abrupte, comme l’indiquent les dates, le style byzantin s’éloigne progressivement de l’art paléochrétien, de même que l’Eglise orientale s’éloigne de plus en plus de l’Occident. L'art byzantin se caractérise par le fait qu'il est plus abstrait et symbolique et moins concerné par toute prétention de profondeur - ou de force de gravité - apparaissant dans les peintures ou les mosaïques. L'architecture est devenue assez compliquée et les dômes ont prédominé.

622-1492: Art islamique

À ce jour, l'art islamique est connu pour être très décoratif. Ses motifs traduisent admirablement d'un calice à un tapis de l'Alhambra. L’Islam interdit l’idolâtrie, nous avons donc peu d’histoire picturale.

375-750: Art de la migration

Ces années ont été assez chaotiques en Europe, les tribus barbares cherchant (et cherchant) cherchant des endroits où s'établir. De fréquentes guerres ont éclaté et une délocalisation ethnique constante était la norme. L'art pendant cette période était nécessairement petit et portable, généralement sous la forme d'épingles ou de bracelets décoratifs. La brillante exception à cet âge «sombre» de l’art s’est produite en Irlande, qui a eu la grande chance de pouvoir échapper à l’invasion. Pendant un temps.

750-900: la période carolingienne

Charlemagne a construit un empire qui n'a pas survécu à ses petits-fils chamailleurs et incompétents, mais le renouveau culturel engendré par l'empire s'est avéré plus durable. Les monastères sont devenus de petites villes où les manuscrits ont été produits en masse. L'orfèvrerie et l'utilisation de pierres précieuses et semi-précieuses étaient à la mode.

900-1002: La période ottonienne

Le roi saxon Otto Ier décida qu'il pourrait réussir là où Charlemagne échouerait. Cela ne fonctionna pas non plus, mais l'art ottonien, avec ses lourdes influences byzantines, insuffla une nouvelle vie à la sculpture, à l'architecture et au travail du métal.

1000-1150: Art roman

Pour la première fois dans l'histoire, l'art est décrit par un terme autre que le nom d'une culture ou d'une civilisation. L'Europe devenait de plus en plus une entité cohésive, étant unis par le christianisme et le féodalisme. L’invention de la voûte de tonneau a permis aux églises de devenir des cathédrales et la sculpture est devenue partie intégrante de l’architecture. Pendant ce temps, la peinture a continué principalement dans des manuscrits enluminés.

1140-1600: art gothique

"Gothic" a d'abord été inventé pour décrire (de façon péjorative) le style d'architecture de cette époque, qui persistait longtemps après le départ de la sculpture et de la peinture. La voûte gothique a permis la construction de grandes cathédrales montantes, qui ont ensuite été décorées avec la nouvelle technologie du vitrail. Au cours de cette période également, nous commençons à apprendre de plus en plus de noms individuels de peintres et de sculpteurs - dont la plupart semblent avoir hâte de laisser derrière eux tout ce qui est gothique. En fait, à partir de 1200 environ, toutes sortes d’innovations artistiques débridées ont vu le jour en Italie.

1400-1500: Art italien du XVe siècle

C'était l'âge d'or de Florence. Sa famille la plus puissante, les Médicis (banquiers et dictateurs bienveillants), a sombrement dépensé des fonds sans fin pour la gloire et l’embellissement de leur République. Les artistes ont afflué pour prendre part aux largesses et ont construit, sculpté, peint et finalement commencé à remettre en question activement les «règles» de l'art. L'art, à son tour, est devenu nettement plus individualisé.

1495-1527: la haute renaissance

Tous les chefs-d'œuvre reconnus du terme "Renaissance" ont été créés au cours de ces années. Leonardo, Michelangelo, Raphael et compagnie ont fait de tels dépassant chefs-d'œuvre, en fait, que presque chaque artiste, pour toujours, n'a même pas essayer peindre dans ce style. La bonne nouvelle est que, en raison de ces Renaissance Greats, être un artiste est maintenant considéré comme acceptable.

1520-1600: maniérisme

Ici nous avons une autre première: un abstrait terme pour une ère artistique. Les artistes de la Renaissance, après la mort de Raphaël, continuèrent d’affiner la peinture et la sculpture, mais ils ne cherchaient pas un nouveau style. Au lieu de cela, ils ont créé de la manière technique de leurs prédécesseurs.

1325-1600: La Renaissance en Europe du Nord

Une renaissance s'est produite ailleurs en Europe, mais pas par étapes clairement définies comme en Italie. Les pays et les royaumes étaient occupés à se disputer, et il y avait eu cette rupture notable avec l'Église catholique. L'art a fait place à l'arrière-plan à ces autres événements, et les styles ont évolué du gothique au renaissance puis au baroque, sur une base non cohésive, artiste par artiste.

1600-1750: Art baroque

L'humanisme, la Renaissance et la Réforme (entre autres facteurs) ont œuvré ensemble pour laisser le Moyen Âge derrière eux pour toujours et l'art a été accepté par les masses. Les artistes de la période baroque introduisirent dans leurs œuvres les émotions humaines, la passion et une nouvelle compréhension scientifique, dont beaucoup conservèrent des thèmes religieux, quelle que soit leur église.

1700-1750: rococo

Rococo a fait passer l'art baroque du "festin pour les yeux" à la gourmandise visuelle. Si l’art ou l’architecture pouvaient être dorés, embellis ou autrement repris au sommet, le rococo ajoutait avec férocité ces éléments. En tant que période, elle était (heureusement) brève.

1750-1880: néo-classicisme contre romantisme

À cette époque, les choses s'étaient suffisamment assouplies pour que deux styles différents puissent se faire concurrence sur le même marché. Le néo-classicisme se caractérisait par une étude (et une copie) fidèle des classiques, associée à l'utilisation d'éléments mis au jour par la nouvelle science de l'archéologie. Le romantisme, en revanche, a défié la caractérisation facile. C'était plus un attitude-un rendu acceptable par les Lumières et le début de la conscience sociale. Des deux, le romantisme a eu beaucoup plus d'impact sur le cours de l'art à partir de ce moment.

1830-1870: réalisme

Ignorant les deux mouvements ci-dessus, les réalistes ont émergé (d'abord calmement, puis assez fort) avec la conviction que l'histoire n'avait pas de sens et que les artistes ne devaient restituer rien de ce qu'ils n'avaient pas personnellement expérimenté. Dans le but de faire l'expérience de "choses", ils s'impliquèrent dans des causes sociales et, sans surprise, se retrouvèrent souvent du mauvais côté de l'autorité. L'art réaliste se détache de plus en plus de la forme et embrasse la lumière et la couleur.

1860-1880: impressionnisme

Là où le réalisme s’éloigne de la forme, l’impressionnisme jette la forme par la fenêtre. Les impressionnistes étaient à la hauteur de leur nom (qu'ils n'avaient certainement pas eux-mêmes inventé): l'art était une impression et, en tant que tel, pouvait être entièrement rendu à travers la lumière et la couleur. Le monde a d'abord été scandalisé par leur effronterie, puis accepté. Avec l'acceptation est venu la fin de l'impressionnisme en tant que mouvement. Mission accomplie; l'art était maintenant libre de se répandre de la manière qu'il choisissait.

Les impressionnistes ont tout changé lorsque leur art a été accepté. À partir de ce moment, les artistes ont le loisir d’expérimenter. Même si le public détestait les résultats, c’était toujours de l’art et accordait ainsi un certain respect. Les mouvements, les écoles et les styles - nombre vertigineux - sont venus, sont allés, ont divergé les uns des autres et se sont parfois fondus.

Il n'y a aucun moyen d'accorder tout de ces entités, même une brève mention ici, nous allons donc couvrir seulement quelques-uns des noms les plus connus.

1885-1920: post-impressionnisme

C'est un titre pratique pour ce qui n'était pas un mouvement mais un groupe d'artistes (principalement Cézanne, Van Gogh, Seurat et Gauguin) qui sont passés de l'impressionnisme à d'autres entreprises distinctes. Ils ont gardé la lumière et les couleurs apportées par l’impressionnisme, mais ont essayé de mettre certains des autres éléments de art-forme et ligne, par exemple-back dans art.

1890-1939: les fauves et l'expressionnisme

Les fauves ("bêtes sauvages") étaient des peintres français dirigés par Matisse et Rouault. Le mouvement qu'ils ont créé, avec ses couleurs sauvages et ses représentations d'objets et de personnes primitifs, a été baptisé expressionnisme et s'est répandu notamment en Allemagne.

1905-1939: Cubisme et futurisme

En France, Picasso et Braque ont inventé le cubisme, où les formes organiques étaient décomposées en une série de formes géométriques. Leur invention s'avérerait essentielle au Bauhaus dans les années à venir, en plus d’inspirer la première sculpture abstraite moderne.

Pendant ce temps, en Italie, le futurisme s'est formé. Ce qui a commencé comme un mouvement littéraire est entré dans un style artistique qui englobe les machines et l'ère industrielle.

1922-1939: le surréalisme

Le surréalisme consistait à découvrir le sens caché des rêves et à exprimer le subconscient. Ce n'est pas un hasard si Freud avait déjà publié ses études psychanalytiques novatrices avant l'émergence de ce mouvement.

1945-aujourd'hui: Expressionnisme abstrait

La Seconde Guerre mondiale (1939-1945) a interrompu tout nouveau mouvement dans l'art, mais l'art est revenu vengeance en 1945. Sorti d'un monde déchiré, l'expressionnisme abstrait a tout jeté, y compris les formes reconnaissables, à l'exception de l'expression de soi et de l'émotion brute.

Fin des années 1950 à nos jours: Pop et Op Art

En réaction contre l'expressionnisme abstrait, le Pop Art a glorifié les aspects les plus banals de la culture américaine et les a appelés art. C'était amusement l'art, cependant. Et au milieu du "happening" au milieu des années 1960, Op (terme abrégé pour "illusion d'optique") est apparu sur le devant de la scène, juste à temps pour bien s'intégrer à la musique psychédélique.

Années 1970

Ces dernières années, l'art a changé à la vitesse de l'éclair. Nous avons assisté à l'avènement de l'art de la performance, de l'art conceptuel, de l'art numérique et de l'art de choc, pour ne nommer que quelques nouvelles offres.

Les idées dans l'art ne cesseront jamais de changer et d'aller de l'avant. Cependant, alors que nous nous dirigeons vers une culture plus globale, notre art nous rappellera toujours notre passé collectif et respectif.